Exposiciones pasadas: El verano en la galería Santiago Echeberría.

(Exposiciones pasadas recoge mi colaboración realizada para la web de www.artedegaleria.com en 2012-2013)

Desde el 13 de Junio hasta el 14 de Septiembre la galería Santiago Echeberría ofrece una exposición dedicada a esta estación del año, titulada “Verano 13”.

Es una exposición fresca que sorprende por la vivacidad de sus colores alegres. También por sus cuadros costumbristas, dedicados todos al periodo estival, salvo alguna excepción que ameniza el conjunto. Artistas tan diferentes como Javier Banegas, Alejandro Carpintero, Juan Gallego, Ignacio Larra, Fausto Martín, Flavia Munárriz, Fernández Pinedo y Susana Ragel se dan cita en esta muestra y ofrecen cuadros de varios estilos y formas de entender el verano. De hecho, incluso hay una caja de luz (Imagina cuántas veces puede venderse una idea, Flavia Munárriz, que ilustra y abre esta crónica).

Por un lado vemos arroyos, cuartos de herramientas, casitas de verano, botellas, rostros, espuma de mar, trajes de época, juegos, fiestas y gritos; por otro: esperas, evocaciones, silencios, tranquilidad, esquinas, paisajes, matrículas de coches, árboles, rocas, flores... dialogando en la galería, donde se encuentran interconectados. Ingredientes frescos y vibrantes que hacen que la lectura de las obras sea rápida, suave y cálida.

El espectador podrá encontrarse unas obras que merece la pena ver, que armonizan y se imbrican en el conjunto, donde el aroma que se desprende del conjunto de las obras es lo que hace de esta exposición única, en este tiempo. Aprovechar la estación que estamos viviendo, donde el calor es asfixiante, el sol acompaña sin cesar y el aire brilla por su ausencia es una buena oportunidad para ver una exposición refrescante, variada,  que entra por los ojos y que llama la atención desde el primer minuto.

Exposiciones pasadas: Miradas cautivas. La obra de José Ramón Lozano.

(Exposiciones pasadas recoge mi colaboración realizada para la web de www.artedegaleria.com en 2012-2013)

Hasta el 20 de Julio se puede visitar la exposición “Esencias”, del artista José Ramón Lozano (Ceuta, 1983), en la galería BAT Alberto Cornejo. Es interesante advertir que ésta es la primera exposición individual que se hace del artista.

Lo primero que llama la atención al entrar en la galería es el tamaño de los cuadros y los rostros enormes que observan y gritan desde el fondo del lienzo. Si bien es cierto que también hay cuadros de mediano formato que recalcan la idea del pudor robado y la inocencia perdida, lo más notable son estas grandes obras.

En muchas de ellas podemos ver un rostro que se repite insistentemente, es el de una mujer que grita con su mirada, que se encuentra aislada en su propio mundo. Esta figura femenina es el retrato de su mujer que ha actuado como modelo de las series de sus grandes cuadros. En estas obras se juega con la dialéctica entre polos opuestos donde el artista ha sabido conciliar el silencio y el ruido, la vida y la muerte, el caos y el orden.

Estos rostros gigantescos ofrecen miradas cautivas, que apelan al espectador y le obligan a formar parte de la tensión interna que viven las obras. Los rostros lloran, gritan, nos muestran su dolor y nos sorprenden mirándolos sin que nosotros podamos hacer nada más que mirar la angustia, la ira y la rabia que se expresan en su carnalidad. Esto sucede al mismo tiempo que se nos  exige una respuesta. Respuesta que no puede llegar a darse plenamente, y, por tanto, convierte al espectador en un sujeto que observa y que es visto; pero que no puede actuar, obligándole a convertirse en cómplice del dolor. Los cuerpos desnudos, desnudan a su vez el alma del que mira, que impotente, asiste a un banquete de gritos quedos, de violencia contenida y desgarradora.

Lozano ha sabido encontrar ese punto que desasosiega y que se encuentra en el límite constantemente. Las técnicas pictóricas de trazos gruesos, de detalles íntimos y materia desplegada, potencian más aún la idea de esencia. Parece como si esa fragilidad que exhiben muchas de sus obras no fueran sino la esencia (o la huella) de un pasado remoto que una vez estuvo ahí y se quedó para anclarse en el fondo del cuadro. Un fondo donde la mirada suplicante, la belleza robada, los cuerpos expuestos y su fragilidad al desnudo, donde la violencia y la impotencia juegan un papel fundamental y definitorio de la obra expuesta de José Ramón Lozano.

Exposiciones pasadas: El paisaje onírico de Irene López de Castro

(Exposiciones pasadas recoge mi colaboración realizada para la web de www.artedegaleria.com en 2012-2013)

Durante este julio, en la Galería Antonio de Suñer nos encontramos con la exposición “De Benarés a Tombuctú” que ofrece obras de Irene de Castro (Madrid, 1967). La artista ha realizado un viaje a África y otro a India en donde se ha encontrado con realidades diferentes, pero al mismo tiempo, muy similares; realidades evocadoras, que han sido plasmadas en sus obras tal y como ella se las ha encontrado e imaginado.

En la muestra podemos observar distribuidas, en dos pisos, las obras. En la planta superior observamos las gentes, el ambiente, la luz de África. Nos encontramos con cuadernillos de viaje en donde ella toma unos interesantes apuntes que, posteriormente, reflejará en cuadros de gran formato que dan cuenta de la sinuosidad de las formas y la integridad del conjunto, donde nada queda al azar, donde todo forma parte de la misma percepción y de la misma naturaleza.

En la planta baja nos trasladamos con ella a la India, donde la luz evocadora, las suaves formas y los paisajes de ensueño forman parte de su interés artístico. El espectador se podrá adentrar en imágenes idílicas y oníricas de la India tal y como la artista, o cualquiera con una mirada apasionada, pueda observar.

Encontramos cuadros, donde los ocres, los azules y amarillos predominan, en un variado conjunto de mundos lejanos, exóticos, oníricos... donde se encuentran reunidas ciudades, puertos, calles exóticas que muestran el ambiente predominante, los bosquejos de una realidad transformada por la mirada de la artista, que conmueve, al mismo tiempo que transmite paz, serenidad, belleza, magia, plenitud y energía.

Además de cuadros, vemos también que la artista pinta sobre piedras, así como otros han hecho antes que ella, en las que utiliza (o no) la forma natural del soporte para imaginar y soñar esos paisajes observados y transformados por su ingenua mirada; la mirada de un niño que se descubre en y con el otro.

Exposiciones pasadas: 25 años en la galería Dionís Bennassar

(Exposiciones pasadas recoge mi colaboración realizada para la web de www.artedegaleria.com en 2012-2013)

La madrileña galería Dionís Bennassar está de enhorabuena. Celebra el 25 aniversario de su fundación ofreciendo una gran exposición de mil de sus más de dos mil obras. Durante diez meses, desde marzo de 2013, esas obras van rotando, cambiando y ocupando todos los espacios disponibles de la galería: paredes, despachos, almacenes, armarios... no hay un hueco libre.

Los galeristas ofrecen esta oportunidad para mostrar sus fondos y ofrecerlos al público, con la idea de fomentar el arte y transformar la galería en un espacio de discusión y de arte propiamente dicho. Por ello ¿qué se encontrará el espectador? Un espacio que se mueve, que nunca es el mismo, que intenta abarcar todas las artes, incluyendo aquellas que se realizan en labores de oro o plata, etc. La galería abre sus puertas  y pretende expandir la idea de galería de arte, ampliando sus fronteras.

Bajo esta premisa, encontramos una gran actividad y obras de todo tipo. Muchas de las cuales están adquiridas desde su fundación, otras provienen de tiempos más cercanos. Por esta razón,  hay artistas exponiendo de todas las edades, de toda condición: algunos consagrados como Lucio Muñoz, Andreas Strobel o Mompó, junto a otros menos conocidos.

La muestra abarca pintura, escultura, dibujo, e incluso espectáculo y danza, donde el humor será un factor determinante. Por ejemplo, a tenor de este humor, se podrá encontrar  (y adquirir) “el cuadro más pequeño del mundo”, que dentro de poco se convertirá en una serie. Si es seriado, ¿seguirá siendo el cuadro más pequeño del mundo?, ¿o perderá su sentido?

La comicidad inundará la exposición, especialmente cuando comiencen los espectáculos exclusivos, donde se pretende acercar el público al arte, desde todas sus perspectivas.

La forma de concebir el espacio consigue que durante diez meses el espectador pueda disfrutar de una galería completamente distinta cada vez. Podrá adquirir piezas o, sencillamente, pasear por entre sus recovecos.

Exposiciones pasadas: La transparencia lírica. María Aranguren.

(Exposiciones pasadas recoge mi colaboración realizada para la web de www.artedegaleria.com en 2012-2013)

Hasta el 1 de junio, se puede visitar la exposición titulada “Transparente” de María Aranguren (Madrid, 1961) en la madrileña galería Astarté. A este respecto la propia artista, mientras trabajaba, apuntaba lo que su propia obra le sugería: “Decia María Zambrano que “la pintura es un lugar privilegiado donde detener la mirada”. Para mí, un lugar de poesía. Cada vez es mayor la certeza de que me muevo ahí cuando pinto”.

Es en estos términos cómo tenemos que asomarnos y disfrutar de la exposición. No vamos a ver pintura, vamos a leer poesía. El arte como poesía, la poesía de los policarbonatos. Es, en efecto, este material sobre el cual despliega y apuntala todo este lenguaje lírico. Al igual que la poesía se lee, las obras de Aranguren se leen. Los policarbonatos, plásticos y metacrilatos,  son renglones rectos donde los versos del arte pictórico subsumen al espectador en un recital, donde el espectador encontrará el alma de los versos. Donde la expresión deja paso a la mirada. Esta mirada se paraliza frente a la obra y descubre este juego dialéctico de lenguajes.

El uso de estos nuevos materiales acentúa la bidimensionalidad del conjunto. No obstante, tanto la pintura contenida en ellos, como las palabras incrustadas y el juego de opacidades y transparencias, dejan ver la amplitud espacial de la tercera dimensión.  Así como las palabras poéticas atraviesan al lector/auditor e impresionan su alma; los policarbonatos se despliegan en las tres dimensiones invitando al espectador a acercarse y ser marcado por ellos. Como dice Ricard Silvestre, a propósito de la exposición: “Por esto, a pesar de que el soporte mantiene, despierta, dirige o señala el rigor, la pintura se cuela entre los planos transparentes de la rigidez”.

La pintura y las palabras, juegan con la plasticidad de las obras presentes en la exposición. Destruyen la aparente planitud, el orden y el equilibrio con tonos luminosos. La transparencia ilumina la exposición, la palabra se deja iluminar por la pintura.