Exposiciones pasadas: La mirada silenciosa de Ayesha Jatoi

(Exposiciones pasadas recoge mi colaboración realizada para la web de www.artedegaleria.com en 2012-2013)
“La pintura miniaturista es como la meditación. Necesitas estar totalmente concentrado, y a medida que te vuelcas en la pintura, tiendes a silenciar todo a tu alrededor”.
Así abre la exposición “More Silence”, de Ayesha Jatoi (Pakistán) en la Galería Sabrina Amrani de Madrid, que será visitable hasta el día 23 de Abril. Jatoi se considera a sí misma una artista abstracta minimal, la muestra que ofrece es una buena prueba de ello, consigue con poco expresar mucho, con silencio acallar el ruido interior que lleva el espectador a la galería.
Es una exposición cimentada sobre las bases del silencio. Con un único vinilo que recorre toda la galería se puede apreciar cómo el espectador se encuentra de bruces con una obra silenciosa, que, interpela al espectador para que tome un descanso de su vida, o, mejor aún, para que se mire en el espejo que le ofrece la artista e incorpore su visión a la propia vida, que la haga suya y acalle su ruido mundano.
Dando un paseo superficial por la galería podremos observar un único vinilo que se extiende por toda ella, unas sencillas fotografías al fondo y unos dibujos en grafito, que parecen no tener relación con el resto.
Sin embargo, una mirada más profunda y atenta da cuenta de que es una única obra la que se encuentra (re) presentada: aquellos dibujos hablan del silencio, narran escenas, son cuadros escritos, escenas e historias que, en principio, pertenecen al lenguaje pictórico y a sus formas de expresión y se trasforman en historias contadas. La pura mirada no sirve, se ha de mirar más allá, imaginarse a lady, a Krhisna, representarlos mentalmente, incluirlos en la mirada silenciosa que escruta y profundiza en su obra. Esta mirada silenciosa se combina con las calladas esquinas, que hablan desde el fondo fotográfico de la sala. Esquinas atravesadas por la luz y la sombra, rotas por su propia composición, mudas, pero a la vez, ruidosas. El vinilo refuerza la idea de la artista de que el texto forma la gran parte de su trabajo, habla sin voz.
La exposición está abierta a cualquier tipo de espectador que esté dispuesto a hacer frente a la imagen especular de sí mismo, que quiera encontrar un espacio silencioso en medio de la ajetreada ciudad de Madrid.

Exposiciones pasadas: Traspasando la frontera

(Exposiciones pasadas recoge mi colaboración realizada para la web de www.artedegaleria.com en 2012-2013)
La galería de arte Distrito 4 expone la colección “Extranjero”, que se puede visitar hasta el  1 de marzo. En la muestra podemos observar la obra de cuatro artistas latinoamericanos: Carolina Antich (Argentina, 1970), Ángela Detanico (Brasil, 1974), Rafael Lain (Brasil, 1973) y Carlos Motta (Colombia, 1978), que utilizan distintas técnicas, soportes y formatos. Así podemos ver pinturas, esculturas y fotografías, lo que hace de ésta una exposición rica en matices y heterogénea. Sin embargo y, a pesar de que los autores utilizan diversas técnicas, la temática de todas las obras es  similar.
Son obras que hablan de la frontera, del límite, del extranjero que los traspasa y no es de un lugar ni del otro, es un errante. Un tipo que viene de la lejanía y se funde en la cercanía, que pasa, recorre y camina, y no encuentra descanso, ni lugar donde reposar, que camina vagabundo y se encuentra consigo mismo y con aquel que lo quiera encontrar, por el camino.
Las pinturas de C. Antich, muestran la fragilidad y el desarraigo de la sociedad de unas figuras solitarias, tristes, sencillas, cabizbajas y necesitadas de cariño que no encuentran su lugar en el mundo. Personajes perdidos, monótonos y singulares que muestran los lazos desatados de este desamparo. Sus esculturas dialogan con el espectador en estos mismos términos, figuras que necesitan ser rescatadas, son frágiles, están dañadas con fisuras que piden auxilio desde su base de porcelana.
Por otra parte, en cada sala encontramos fotografías que hablan de este mismo problema. Carlos Motta habla de Dios y de cómo la Iglesia debe estar al servicio de los más necesitados, aquellos más desvalidos y necesitados de socorro. Sus obras llaman la atención sobre este hecho y nos invitan a tomar conciencia de estas necesidades, que, tantas veces, desde nuestra mirada, nos olvidamos. Es necesario romper las cadenas, traspasar la frontera, buscar al extranjero.
Ángela Detanico y Rafael Lain juegan con la ambivalencia de los opuestos. Alto-bajo, recto-curvo, cerca-lejos. Figuras contrapuestas, ajenas, extranjeras las unas de las otras. Términos opuestos que, separados, hablan de distanciamiento y separación. Sin embargo, los artistas, los mantienen muy unidos, no se pueden entender los unos sin los otros. Opuestos que generan tensión en su unidad. Si están unidos, ¿son realmente opuestos? Parece que la frontera se ha traspasado, los extranjeros se han encontrado

Exposiciones pasadas: Papel, el papel… Luz González.

(Exposiciones pasadas recoge mi colaboración realizada para la web de www.artedegaleria.com en 2012-2013)
“Papel, el papel…”. Así se titula el tríptico de la exposición de la salmantina Luz González, que podemos visitar desde el 24 de enero al 2 de marzo en la galería madrileña de Ángeles Penche. Las tres salas de la exposición ofrecen un buen muestrario de las obras que esta artista realiza sobre el papel. El papel como soporte principal, que sostiene la rica materia que González añade y da consistencia a la obra.
La crítica Carmen Pallarés afirma: “Luz González y el papel disfrutan desde hace años de una relación cómplice”. Este hecho se hace bien patente cuando el espectador observa los cuadros. Cuadros cuyo soporte es frágil, pero su materia densa. Que le dan cierta tensión ligereza-pesadez que hace de estas obras interesantes y cómplices. Juega con materiales diversos, mixtos. Ya sean metales, cartones, papel,... collages serenos o fieros donde se unen estos elementos y se hablan entre sí con expresividad natural y diálogos nada forzados.
Obras llenas de contrastes donde el metal juega un papel muy importante. Parece que hiere, daña, maquiniza la obra.  Como continúa la crítica de arte Pallarés, “el misterio del arte da en las obras de esta pintora resultados que participan una a una de las categorías de la hondura y brillantez”. Hondura por las capas matéricas y brillantez por el uso de metales. Hondura por la profundidad con que escarba la obra en el interior del espectador, brillantez por cómo le hace participar de ellas. Pintura, escultura, collage, son obras que se puede encontrar el espectador en esta exposición.
La artista ha obtenido numerosos galardones como el premio Santiago de Santiago (Salón de Otoño) de Madrid, primer premio de Pintores Europeos (Villabone) de París o el premio Punto de las Artes. Ha expuesto en Estados Unidos, Colombia, Francia, Croacia, Eslovenia, Italia y España

Exposiciones pasadas: El ángel sin alas quiere volar. “Feito. Pinturas de 1957 a 1962”

(Exposiciones pasadas recoge mi colaboración realizada para la web de www.artedegaleria.com en 2012-2013)
“Una superficie que quiero; que hago. Ella crece y yo la encuentro. La golpeo, la rompo, la destrozo. Me araño, Otras veces la acaricio. A veces surge la luz, la esperanza; otras, nada. Choco contra su piedra virgen. Pura. Se hace el espacio. Salta. Le arranco su silencio. Retuerzo su misterio. Y nace”. Frases de amor y de odio, de libertad y de esclavitud, de dominio, de dominación, de dominado, de parte de un artista a su obra. Así habla Luis Feito (Madrid, 1929) de su trayectoria, de su vida. La madrileña Galería Fernández-Braso expone desde el 10 de enero hasta el 2 de marzo una exposición que recoge un total de 22 obras de este poeta pictórico titulada “Feito. Pinturas de 1957 a 1962”, donde recoge buena parte de los diálogos internos con sus piezas. 
En la muestra vamos a ver obras donde el artista juega, pelea, acaricia, con el óleo y la arena, sobre el lienzo, la tabla o el papel; en obras de mayor o menor formato, donde predomina el tamaño medio.
Para expresar sus inquietudes y tensiones internas utiliza tonos ocres, rojos, blancos, terrosos, en una conjunción armónica desarmonizada, tranquila fiereza, belleza ruda, que exhorta a dejarse invadir por su obra, que muestra estas tensiones externalizadas. Obras que superan el soporte, que te invitan a guardar las distancias al tiempo que te piden que las toques. Deseo irrefrenable, irrealizable.
Muchas de las obras permanecen a la espera de que alguien las socorra y las saque de su silencio amortiguado por los gritos agrietados de su factura pesada. Piden ayuda, muestran su dolencia y las heridas de la violencia ejercida sobre ellas. Ángeles atribulados que quieren volar, que quieren desplegar las alas, al tiempo que tienden la mano y piden socorro. Obras que invitan al espectador pasivo a que se vuelva activo, lo atrapan y lo golpean, lo arañan, lo llenan de tensión… Pero también de esperanza. Esas creaciones parlantes que se agitan en su angustia tienen luz, una luz pictórica que ilumina todo su ser, que hablan de la esperanza, de la ilusión, o, en palabras de su creador, "de nada". El ángel caído despliega sus alas. El espectador, cuando entra en la exposición se enfrenta a estos dardos, a esta tensión, contradicción, dialéctica del sufrimiento y de redención, la galería se transforma en el campo de batalla donde los gladiadores gritan: "¡Ave César!", donde el guerrero permanece atento y expectante a la espera de una muerte o victoria próximas. Esperanza en la angustia, o quizá, nada. Cordilleras matéricas coronadas de oscuridad, puro visibilisimo, campos desolados y agrietados, miedo, violencia,  artificio,... Es lo que se encontrará el espectador hasta el día 2 de marzo en la galería Fernández-Braso

Exposiciones pasadas: Invitación a internarnos en el espejo de la realidad de Paloma Peláez

(Exposiciones pasadas recoge mi colaboración realizada para la web de www.artedegaleria.com en 2012-2013)
Hasta el 2 de febrero se expone en la Galería Magda Bellotti (Madrid), la exposición dedicada a la obra de Paloma Peláez (Zamora, 1958), titulada “A través del Espejo. La sensualidad emancipada”.
La colección, distribuida en los dos niveles de la galería, nos lleva a internarnos en el espejo de la realidad de Peláez, que no es sino un espejo de su propia época, el hoy. La artista utiliza dos tipos de soporte principales: el lienzo y el espejo, donde, con pintura esencialmente al óleo intenta representarnos esta realidad especular. Sus obras hablan de épocas pasadas que se actualizan en la medida en que los espejos traen ese pasado al presente. En la medida en que el espectador contemporáneo viaja al pasado contemplando obras que se hablan entre sí, que se reflejan y mantienen, en una dialéctica común, el mensaje transmitido por la sensualidad femenina.
Las obras que pinta sobre espejos suelen dejar un espacio donde se evidencia el soporte al que se puede acercar el espectador. Estos mínimos espacios abiertos dejan ver esta sensualidad emancipada que da lugar al título de la exposición. Una sensualidad que, para ser observada en sus más mínimos detalles, invitan al espectador a observar la obra con la mirada voyerista del sujeto de la antropología de la contemplación. Contemplar sin ser visto. Salvo que al utilizar los reflejos de los espejos, esa contemplación no inocente, se torna en un contemplar y ser contemplado, impelen al diálogo. La figura sensual femenina te devuelve la mirada y te desnuda interiormente como ella lo está exteriormente. Te invita a participar de su simplicidad y libertad sensual.
Los cuadros sobre lienzos son de otra naturaleza distinta. A través de la posibilidad de contemplar un interior francés o un interior holandés, se nos permite viajar en el espacio, trasladarnos en el lugar. Esto es, la exposición nos permite no sólo un viaje al interior de nuestro propio yo, de nuestra propia subjetividad mediada por la mirada sensual de la mujer representada, sino que además nos permite la ubicuidad.  Viajar en el lugar, cambiarnos de lugar, mirar y ser contemplados en el espacio.
Para hacer este recorrido aún más personal, una de las obras incluso pregunta: “¿Qué tal?”. Una sencilla pregunta que encierra una respuesta complicada, ¿cómo es posible hablar con la obra?, ¿te responderá?
El título del blog hace alusión a la difusión, visionado y amor por las imágenes. Reflexionaremos sobre las imágenes, sobre películas, sobre el género (audio)visual en general.
Exposiciones, comentarios, críticas, reflexiones, aportaciones, decisiones... llenarán cada rincón de Icon-o-rama.